摘 要：物质文明的充裕带给人们更多的精神层次需求，高科技手段的充斥潜移默化地影响着民众的审美取向，并反映出人们对工笔画的欣赏审美要求：真切、写实。人们在欣赏工笔画的素雅之美时会追问：为什么工笔画不真实、不现实呢？其实，工笔画从古代发展到当代，不论是颜料、表现技法还是绘画风格都有了不小的变化、革新，这些批评其实是有局限性和片面性的。当下的许多工笔画大家在传承古法技艺的时候也在寻求中西方绘画中的契合，他们的思考和探索为工笔画的崛起和复兴起到了不可忽视的作用。
关键词：工笔画；西方油画；差异；发展
一、中西方绘画颜料各异
中国画颜料一般分成矿物颜料与植物颜料。中国画最先使用的石色颜料，即矿物质颜料，由天然矿石经选矿、粉碎、研磨、分级精制而成。矿物颜料不易褪色，色彩鲜艳，如朱砂、雄黄、雌黄、石绿、蛤白。大多数看过张大千晚年泼彩画的都知道，大面积的石青、石绿、朱砂能让人精神为之一振。在人物画方面，六朝的顾恺之、张僧繇、陆探微以及隋代画家展子虔均为巨匠，唐代阎立本的《历代帝王像》，画工细致，设色浓重，之后吴道子、张萱、周昉均有极高造诣，宋后更是粉黛互用，阴阳向背，甚至敷金涂银，以达成华丽庄严、富丽之致。在工笔花鸟画方面，五代黄荃，勾画填色，富丽工巧，唐代边鸾笔下的孔雀“翠彩生动，金钿遗妍”。随着工笔画染色形式的变化，中国画开始应用水色颜料，即植物色素，是从树木和花中提取的。这样提取的色彩，颜色透明度高，制作工序复杂，如胭脂红、洋红、藤黄、花青等，表现形式也开始以色调淡雅、细致精巧、渲染丰富著称。颜料的特点使中国画染色时需层层叠加，以墨线勾形，三矾九染，以薄见厚。虽亦有用矿物质颜料作画者，也仅是在画幅的局部勾填着色，以达到最后色调的统一、意境的细腻。
西方绘画颜料最主要是油画颜料，用亚麻籽油调和颜料搅拌研磨而成。由于油画颜料干燥后不变色，多种颜色调和不会变脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。透视学以及光学原理贯穿整个西方绘画体系，从文艺复兴开始，西方绘画便利用明度、纯度、色相、冷暖等方面的变化来表现世界客体，西方色彩更倾向于写实，注意时间、空间的瞬息变化结合着固有色去及时调整、改变。法国印象派画家莫奈的油画作品《日出·印象》，用美妙的光色变化与运动展现了晨雾笼罩中的日出港口景象，印象主义画派因此得名。西方绘画注重科学地分析光线变化对色彩的影响，敏锐地捕捉瞬息万变的光色变化，应用分色技术科学组合颜色，更立体地塑造形体。
二、中西方绘画作品的色彩风格
中国画受儒道思想影响深远，翻开中国绘画图卷历史，我们会惊讶地发现，许多历代画家的优秀作品都在表达“美”：有神情逼真、优雅自然的女性之美，如唐代周昉《簪花仕女图》《挥扇仕女图》、张萱的《虢国夫人游春图》《捣练图》卷，真实地描绘古代各阶层妇女的生活风情，画面工整和丽，色彩华美典雅；有含蓄空灵的意境之美，包含了情与理的有机结合，如李可染的《江山如此多娇》《万山红遍》，意境唯美，情景交融，是一种超乎象外的艺术美。宋代文人画逐渐兴起，其诗画结合的表现方式让一些文人士大夫能更好地抒发胸臆，“诗不能尽，意而为书，变而为画”。苏轼评王维的作品“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗”。诗入画境，增加和扩大了画面的艺术容量和境界，使欣赏者产生共鸣，回味无穷。
西方绘画更受宗教观念的影响，不论是古典时期的油画还是近现代的作品，表达的更多的是“痛”与“丑”。古希腊雕塑作品《拉奥孔和他的儿子们》，取材于希腊神话故事“特洛伊之战”，拉奥孔告诫特洛伊人不要把木马拖进特洛伊，却被希腊保护神派遣的巨蛇咬死，雕塑中人与神之间的悲剧性冲突，让它超越时空价值永存。古典主义画派画家法国大卫的《马拉之死》，营造了一个穷人的空间。在封闭而狭窄的小屋里，马拉一手握着笔，一手握着染了鲜血的信倒在浴缸中，这幅画背景模糊凌乱，空间含糊，代表着永恒的虚无，但那个充当书桌、粗糙平实的木箱，仿佛在诉说着马拉的神奇而特别的魅力。现实主义的先驱人物基里柯，他的作品多是令人心动又不安的梦幻景象，所有的一切仿佛被凝固，光明而又死寂，明明观之不实却又清澈且充满魅力。
三、中外欣赏者的审美差异
中国传统工笔画强调的是“和谐”“中庸”之美。色彩原理更多的是儒学、道学、禅学中的美学。儒家的价值观、文化观和伦理观，道家的“自然”“不争”“清静”“虚无”的思想，禅学中的本心纯净、平淡清雅、超脱世俗的宗教思想，始终贯穿于中国画的构图观、造型观乃至色彩观。中国画中的色彩更多是含蓄内敛的，注重创作者的主观感受，多以形写神，寓神于形，是一种雅静的艺术。传统工笔画色彩更偏装饰，先用墨线勾形，后以物体的固有色进行渲染、填色。南朝谢赫“六法”中“随类赋彩”成为工笔画色彩的不二法则。所谓“随类赋彩”，即把画面中的物体各自分类，一类施以一种颜色，比如人物画把人物的面部、手等分为一类，衣服为一类，饰品等为一类，每类物象按相同色调处理。还有很多“类”色彩是师徒口口相传的归纳色和总结色，并不重视自然界色彩的时间空间变化，这种“固有色”的着色思想使工笔画总给人以类型化和程式化的特点。
西方色彩学是以物理学、光学、生理学、心理学等一系列的科学结论对自然光谱分析为理论基础。相较于固有色，更重视写实性色彩和科学依据。人们认为色彩是自然界中的光和物质发生物理作用的产物，由于周围环境、光线和固有色的不同组合而发生变化，这是塑造形体的一个重要方法。西方哲学认为宇宙是均衡而又和谐的，因而他们的审美注重理性、秩序。宗教的善恶观让西方人认为要不断地向上帝忏悔并做善事，以减轻自己的罪恶。西方绘画作品中有很多人性的恶、丑与痛。达·芬奇《最后的晚餐》描绘《圣经》中耶稣跟他的十二个門徒共进的最后一次晚餐，人物眼神中的惊恐、愤怒，手势中的激动、怀疑，都刻画得精细入微，惟妙惟肖。逾越节那天，耶稣忧郁地说：“我实话告诉你们，你们中有一个人要出卖我了！”12个门徒听到这话，感到震惊、愤怒、兴奋或者紧张。《最后的晚餐》表现的就是这紧张的场面。西方的绘画犹如他们的建筑，由天及地，垂直崇高，而中国更喜欢安静、对称、天人合一。
四、中外绘画的评判差异
一幅好的工笔画，首先取决于笔的运用，即线条。线条要劲而不弱，刚中带柔，富有节奏。六朝四大家之一顾恺之，其高古游丝描线条紧密而又连续，如春蚕吐丝，行云流水。北宋张择端的风俗画《清明上河图》，画者就通过笔力的运用使得画中人物显得或刚健或忙碌，使得春天的景色柔和又温暖。一幅好的工笔画还要注意构图，中国画的构图方式是采取平行透视法和散点透视法来摄取所需的景色，大到广袤的原野、浩瀚的河流、高耸的城郭，细到舟车上的钉铆、屏风上的蚊蝇，都能生动地记录在一幅卷轴中。而后是气韵，就是一幅作品的内涵美。每个物品的造型、细节，都要安排得疏密有致、繁间得当、动静相宜、恰到好处。野岭崇岩、枯荷皴枝、雀鸟芙蓉、仕女嬉戏等等，工笔画中的山水花鸟、人物竹虫，无一不生动有趣，充满灵性。
西洋画则不重线条而重光影。油画颜料的覆盖能力强，绘画由深到浅，逐层覆盖，从而产生立体感。17世纪意大利画家卡拉瓦乔被称为“光影处理艺术大师”，其作品《圣马太殉难》《圣马太蒙召》《基督下葬》等都善于使用戲剧般的光线，利用集中的有控制的侧光照射，使人物在暗色空间中格外突出，恰到好处地与环境相衔接。西洋画不用散点透视而用焦点透视法。为了生动地描绘自然，西方绘画努力用各种技巧和手法来实现物体的再现。
五、西方油画对工笔画的影响
艺术创作离不开现实生活，并深深地受现实影响。西方油画首次进入中国是在明朝万历年间，利玛窦进献的天主像、圣母像等逼真的油画艺术作品使中国画家感到惊奇但并不认同，西方油画当时并无追随者。清朝欧洲传教士来华传教并在宫廷供职，他们擅长油画，受命绘制了很多宫妃王臣的肖像画，例如意大利画家郎世宁、潘廷章等。乾隆皇帝曾命宫中奴仆随洋人学习西洋画法，同治年间，欧洲传教士开设了许多孤儿院并向这些孤儿传授各种技艺，绘画便是其中之一，这些孤儿们长大离开，也把油画带到了社会。还有出国留洋的学生，回国后把油画的技法带到了国内，刘海粟、林风眠、徐悲鸿就是当时较有影响力的油画艺术家。这些西方的绘画观、色彩观也影响着工笔画。在改革开放四十多年的今天，信息共享、全球化经济、多元文化观念拉近了各个国家、各个民族之间的距离，艺术上的本己文化和异己文化的异同之处不断加深着人们的理解和认识，工笔画一方面在加固着传统技法的创作，另一方面也在舍弃和改变一些观念和技法，寻找使工笔画更加兴盛的新的契机。
首先，大众希望能看到工笔画中的“真实”，特别是物质文明和高科技手段制造出的超写实的影像和图画，在潜移默化地影响着大众的审美取向，人们希望工笔画不仅是“平”的，更希望是“有影子的”。另外，多元的文化背景，也让画家多元的创作主题得到认可，从而在色彩、技法等方面有了新的突破，让受众看到了工笔画中的“现实生活”。何家英的《舞之憩》、金瑞的《梦回埃及》等，都以深入、细腻的绘画技巧描绘了当代现实社会的精致和美好。
六、结语
工笔画发展到现在，每个画家都有自己的表现手法和作画风格，艺术主张也有极大的对立性，也存在不少问题，例如无意义的变形、装饰性的“陷阱”、想象力的贫瘠、照片式的“写生”等等，但这都不妨碍艺术家们各尽其能，以不同的方式实践着共同的艺术理想。大家都对工笔画的传承和发展做着力所能及的努力，为工笔画的繁荣发展发挥着积极作用。
参考文献：
[1]秦安建.浅析色彩的本质涵义[J].安徽文学（下半月），2009（7）.
[2]杨大卫.试析当代中国工笔人物画创作的两种趋势：以何家英和唐勇力的绘画创作为例[D].苏州大学，2009.
作者单位：
山西师范大学